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Le dessin est le cœur

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Le dessin est le cœur
Le dessin est la base de l'expression de soi. Apprendre à dessiner est le moyen le plus lent mais le plus sûr de maîtriser votre peinture.

Par Juliette Aristides

Le dessin est le cœur et l'âme de l'art. Dans les années 1960, 1970 et 1980, dans le sillage de l'expressionnisme abstrait, du néo-expressionnisme et de la vogue de l'art du montage et de l'installation, le dessin a pratiquement disparu du cursus de la plupart des écoles d'art. Le dessin semblait inutile, presque désuet. Même avant cela, dès 1924, apprendre à dessiner était considéré comme secondaire à apprendre à peindre, comme le montre cette observation de Harold Speed: «Le dessin, bien que le premier (en importance), est aussi la dernière chose qu'un peintre études. Il y a plus en lui (dessin) qui peut être enseigné et qui rembourse l'application constante de l'effort »(de La pratique et la science du dessin, réimprimé par Douvres en 1980).

La couleur est immédiatement envoûtante, oui, mais la forme ravit l'esprit aussi bien que l'œil. Pourquoi le dessin, quel que soit le sujet, est-il si important? Pensez à un portrait où les yeux sont mal alignés ou à un paysage où la perspective est de travers. Quel que soit l'impact émotionnel qu'aurait eu le tableau autrement, il est effacé par un défaut technique. Speed ​​croyait que le dessin pouvait s'apprendre, et moi, en tant que professeur d'artistes, j'atteste de cette vérité. Tout le monde peut apprendre à dessiner mais, comme jouer du piano, cela ne se fera pas du jour au lendemain et cela ne se fera pas sans la pratique. Certains artistes commencent par une installation, car ils dessinent depuis leur enfance. Dans mon atelier, je vois ce genre d'étudiant et je vois l'autre type, ceux qui manquent de compétences mais qui sont déterminés à essayer. Le deuxième groupe fait des gains énormes, tandis que ceux du premier groupe prennent rarement les risques nécessaires pour réussir. Ceux qui ont la discipline de persévérer deviennent des dessinateurs qualifiés, capables de maîtriser les techniques de tout support.

La tradition académique

J'enseigne actuellement ma propre classe d'atelier à la Seattle Academy of Fine Arts. Le programme que j'ai conçu est rigoureux, en accord avec la tradition académique qui a débuté dans les ateliers d'artistes de la Renaissance et qui s'est épanouie aux XVIIIe et XIXe siècles, notamment à l'École des beaux-arts et à l'Académie Julian. Les siècles précédents ont compris que l'artiste avait besoin d'une formation approfondie en tant que dessinateur avant de passer à la peinture; souvent une décennie d'étude du dessin n'était pas considérée comme excessive. Il a également été admis que les compétences d’un artiste devaient être affinées avant de s’attaquer au grand sujet de la forme humaine. Ce n'est qu'après que l'artiste a démontré son art en peignant des moulages de figures et des arrangements de nature morte qu'il a pu commencer à exprimer la vitalité et la noblesse de la figure. Peindre la forme humaine demande non seulement à l'artiste de se ressembler mais aussi de suggérer - avec profondeur, sensibilité et intégrité - ce qui se cache au-delà de l'apparence: l'âme.

La compétence améliore l'expression de soi

On a dit aux artistes débutants que la compétence elle-même inhibe l'expression de soi. Au contraire, je crois que l'apprentissage du métier d'artiste vous permet d'exprimer votre propre vision. Les compétences traditionnelles sont le fondement sur lequel vous, l'artiste, travaillez. C’est l’artisanat, et non son absence, qui est la base de l’expression de soi. À l'inverse, être créatif sans connaître l'artisanat, c'est comme essayer de décorer un bâtiment structurellement défectueux. Cela n'a aucun sens.

Je considère que mon enseignement transmet un héritage artistique qui autrement serait perdu. Lorsque j'enseigne, j'essaie de transmettre les informations dont un artiste a besoin d'une manière compréhensible. Les tâches complexes de dessin et de peinture deviennent plus faciles à gérer lorsqu'elles sont décomposées en parties.

Le dessin est un processus de simplification

Il n'y a rien de plus important que de dessiner. Le processus de simplification, l'acte de concevoir, relève du domaine du dessin. Tout, chaque aspect de l'art - c'est-à-dire la proportion, la valeur et la forme - mais la couleur relève du domaine du dessin. Si l'artiste est d'abord formée en tant que dessinatrice, elle est libre de se concentrer sur la couleur plutôt que de se soucier d'obtenir ou de ne pas obtenir les bonnes proportions.

L'un des paradoxes de l'apprentissage du dessin est que la phase de début exige que vous sacrifiez les détails au profit de la conception et du geste, tandis que la phase de fin nécessite que chaque zone du corps soit rendue, sinon le travail sera générique et plat. Apprendre à dessiner prend du temps; cela nécessite que vous puisiez dans la vie tous les jours. Dans mon atelier, les étudiants commencent par se concentrer sur le dessin; les étudiants plus avancés passent à la peinture monochromatique puis entièrement chromatique. Les élèves dessinent des moulages en plâtre, le modèle nu et des configurations de nature morte; ils copient également des chefs-d'œuvre. Les projets deviennent de plus en plus complexes à mesure que leurs compétences, ainsi que la confiance dans ces compétences, se développent.

Comment passer du dessin à la peinture

Il y a autant de façons de commencer une peinture qu'il y a de tempéraments. Je trouve utile de diviser le processus de peinture en ses différentes composantes: composition, dessin, valeur et couleur –– généralement travaillées dans cet ordre. La fondation est un design solide; un design solide aura un impact à travers la pièce. Le deuxième composant le plus important est le dessin. Mon objectif est que le dessin soit à la fois précis et bien conçu. Ensuite, je travaille sur l'unification des valeurs afin que les zones sombres fournissent un contexte pour les lumières. Enfin, je me concentre sur la couleur - à la fois sur la couleur locale et sur la façon dont la lumière affecte cette couleur locale.

Travailler par étapes: le métier d’artiste

Habituellement, je passe plusieurs jours à travailler sur la composition. Puis je dessine directement sur la toile. J'affine le dessin avec de l'encre de Chine permanente édulcorée (pour que la couche de peinture suivante n'efface pas la ligne), appliquée avec un pinceau fin. Ensuite, je fais une sous-peinture monochromatique qui établit les valeurs. Pour cela, j'utilise souvent de l'ombre crue mélangée à de la térébenthine; ce mélange peut recouvrir complètement la surface de la toile, mais les lignes d'encre seront toujours visibles en dessous. Je sors les lumières avec un chiffon de coton.

Je travaille toujours du général au spécifique. Je commence par les relations les plus larges en ligne, valeur et couleur avant de me concentrer sur les relations plus petites au sein de chaque objet ou de chaque partie. À l'aide d'un gros pinceau, je bloque les relations de couleur globales. La plupart des bords sont perdus; Je veux relier des objets.

À ce stade, je regarde à nouveau le dessin. Se lit-il bien à distance? Y a-t-il une partie subordonnée de la peinture qui attire trop l'attention? Un bord doit-il reculer ou avancer? Souvent, je fais une liste et je la consulte lorsque j'apporte des modifications.

Se concentrer enfin sur la couleur

Maintenant, je vais me concentrer sur une partie de la peinture à la fois et amener chaque zone à un état fini. J'essaie de garder les formes d'ombre unifiées et simples; Je fais cela en ne permettant pas trop de variance de valeur dans les ombres. Ensuite, je concentre mes efforts sur les demi-teintes entre le cœur de l'ombre et les lumières. Si je sens une couleur, je la mets - il ne s'agit pas tant de voir la couleur que d'en attraper une lueur du coin de l'œil. J'espère que cela paraîtra bien dans le contexte. Plutôt que d'utiliser une seule couleur pour une zone entière, je recherche des relations de couleurs. La couleur dans la nature est extrêmement variée, très complexe et incroyablement belle. Tant que le dessin et la plage de valeurs sont forts, la couleur peut être une question d'opinion. Le spectateur retiendra son jugement sur ce qui semble plausible en faveur de ce que l'artiste crée.

La lumière dans l'obscurité

Je savais depuis le début que je voulais être artiste. J'ai grandi à Reading, en Pennsylvanie, une assez petite ville. Mes parents avaient émigré du Cap, en Afrique du Sud, où je suis né. Mon père était médecin et ma mère, quand j'étais jeune, est restée à la maison. Nous avions de nombreux livres, notamment une collection de 50 ou 60 monographies sur des maîtres peintres. Ma famille a également fait pas mal de voyages, alors j'ai vu beaucoup d'œuvres d'art et copié de nombreuses œuvres. J'étais un grand fan de Rembrandt.

Quand j'étais adolescent, je réglais mon réveil à 2 heures du matin pour pouvoir être seul et marcher dans l'obscurité. J'avais lu beaucoup de philosophie et je pensais qu'il était important de communier avec la nature, surtout à l'époque où tout le monde semblait endormi. C'est incroyable ce que je pouvais voir; J'ai alors fait beaucoup de croquis. Lorsque vous avez cet âge, la vie est si nouvelle et vous êtes si vivant. C'est comme si vous voyiez les choses pour la première fois, comme si tout était en feu.

Je pense que les artistes utilisent continuellement cette intensité juvénile. Au fur et à mesure que je suis devenu artiste, mon travail semble être de plus en plus une révélation. Je vois la peinture comme un acte d'illumination, de travailler à travers l'obscurité jusqu'à la lumière. La lumière est un grand révélateur de choses. J'ai eu un enseignant, Myron Barnstone, qui m'a dit un jour: «La tombe est pour les ténèbres. Les toiles d'araignée sont pour la tombe. Lorsque vous êtes en vie, vous devriez célébrer la lumière. " Cette déclaration a résonné avec moi. Je trouve fascinant qu'il y ait dans la vie ces moments où l'on se rend compte qu'il se passe quelque chose d'important; qu'une expérience ne sera jamais reproduite; qu'il s'effacera et sera oublié, pour ne jamais être récupéré - à moins que vous ne le peigniez. Avoir la capacité et avoir atteint l'habileté de peindre ce genre de moment, d'enregistrer ce genre de révélation, est incroyablement merveilleux.

Aspects de l'artisanat
Conseils de l'atelier

1. Dessinez à partir de moulages en plâtre de statues antiques.

2. Copiez les dessins principaux. Cette pratique vous donnera l'occasion d'étudier comment les maîtres ont transformé la nature, avec toute sa variance, son abondance et ses détails, en ligne.

3. Pensez comme un designer. La plus grande imitation n'est pas le plus grand art. Lorsque vous dessinez à partir de la vie, recherchez ce que vous voulez dire et accentuez le caractère dominant de la pose du modèle.

4. Travail du général au particulier. Il est facile d'être submergé par la complexité de la nature et il faut de l'expérience pour commencer à distinguer ce qui est pertinent de ce qui n'est pas nécessaire.

• Loucher en regardant votre sujet.

• Regardez à travers le verre coloré ou l'acétate coloré pour vous aider à voir la ligne.

• Avant de commencer à peindre, condensez toutes les informations en un minuscule croquis, par exemple 3 × 4 pouces. Si l'esquisse se lit bien de l'autre côté de la pièce, vous êtes prêt à commencer à peindre.


À propos de l'artiste

«Les gens ont l'impression qu'avoir des enfants va limiter leur vie ou enfermer leur monde, mais j'ai réalisé après avoir eu ma fille et mon fils que mon monde était fermé auparavant», explique Juliette Aristides, qui a remporté le prix Wilder pour le dessin de l'Académie nationale de Design à New York en 1995. Elle a étudié avec Jacob Collins au célèbre Water Street Atelier; elle a maintenant son propre atelier. Son site Web est www.aristidesarts.com.

Pour plus des enseignements d'Aristides sur le dessin, voir son Leçons de dessin classique, et Atelier de dessin classique en cliquant sur les titres des livres.


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